All Summer Long

Der Vorspann beschreibt ganz gut die Dinge, die uns auf Anhieb einfallen, wenn die Bilder von Markus Henttonen vor uns liegen. Läuft dann noch der Song »All Summer Long« von Chris Rea im Hintergrund, muss ja so eine spontan gemixte Geschichte wie diese hier herauskommen.

Na ja, und natürlich wollten wir auch gleich mal etwas mehr über den Fotografen erfahren.

Also schalten wir direkt in unser Gespräch mit ihm. 

Sommer, Strand, Sonne – wie wichtig sind diese Komponenten für Sie? Und was bedeuten sie für Sie persönlich?

Auch wenn ich in Finnland geboren und aufgewachsen bin, haben sich der mediterrane Lebensstil, die Atmosphäre und die Sonne immer wie ein Zuhause für mich angefühlt. Ich erinnere mich an die Sommerferien meiner Kindheit mit einem deutschen Freund und ­seiner Familie auf einem einfachen Campingplatz am Meer in Südfrankreich. Ich erinnere mich an die Dünen, das türkisfarbene Wasser, die riesigen Wellen und das unendliche Sommergefühl. Diese Erinnerungen haben mich seither nicht mehr losgelassen. Wenn ein Ort keine Sonne und keinen Strand in der Nähe hat, ist er auf lange Sicht nichts für mich.

Bei der Fotografie geht es darum, mit Bildern Geschichten zu erzählen. Welche Art von Geschichten lieben Sie und möchten Sie erzählen?

Bei der Fotografie geht es tatsächlich darum, Geschichten zu erzählen, und für mich kommen diese Geschichten aus meiner inneren Welt, mit Erinnerungen, Emotionen, Intuition. Ich möchte eine schönere Welt abbilden, ein Fenster zu etwas Zeitlosem und Ausgewogenem anbieten. Ich bin ziemlich technikfeindlich, und vielleicht sieht man das auch an meinen Bildern. Ich lege mehr Wert auf Qualität, Klassik und Natürlichkeit in allen Bereichen. Die Welt sah vor einigen Jahrzehnten noch besser aus, das Design, die Bilder und der Stil waren langlebig und wurden geschätzt. Wenn man sich umschaut, stellt man fest, dass es heutzutage nicht mehr so einfach ist, Bilder zum Beispiel im Stil von Slim Aarons zu machen. In meinen neuesten Arbeiten bewege ich mich sogar noch mehr in Richtung surrealistischer und filmischer Fotografie, aber immer mit dem natürlichen erzählerischen Licht, das ich liebe. Wasser ist ein noch wichtigeres Thema geworden.

Ihre Bilder sind sehr cineastisch und vermitteln den Eindruck eines Roadmovies. Wie wichtig sind Roadmovies für Sie? Was ist so besonders an ihnen?

Ich lasse mich von Filmen und Musik ­inspi­rieren, und vor meiner ersten Reise nach Los ­Angeles hat mich der Film »Drive« sehr inspiriert. In L.A. begann meine erste wirklich persönliche Serie »Twisted Tales – Road to Hope«. Es ist ein lebenslanger Roadtrip, mit Fragmenten von Geschichten, Nebenwegen und einer Mischung aus Gefühlen, Erinnerungen und Orten. So ist das Leben: unerwartet, aber immer weiterführend. Ich habe an dem Projekt gearbeitet, als es in meinem Leben einige harte Zeiten und Herausforderungen gab. Durch die Arbeit an »Twisted Tales« begann sich auch meine Art zu fotografieren zu verändern. Alles wurde viel persönlicher, ich ließ los und bearbeitete die Bilder nicht mehr in meinem Kopf, bevor ich auf den Auslöser drückte. Zum ersten Mal begann ich, die Dinge, die ich am liebsten fotografiere, miteinander zu kombinieren: Landschaften, Bewegung, Porträts und Details, und zwar auf eine Art, die Geschichten erzählt. Ich habe Roadtrips schon immer geliebt, sie sind inspirierend und voller zufälliger Begegnungen mit Orten und Menschen, es ist unbezahlbar. Die Geschichten und Fotos kommen einfach auf einen zu, wenn man sich die Zeit und die Gelegenheit dazu nimmt. Man wandert und wundert sich. Diese Idee des Zufalls geht Hand in Hand mit meiner Auffassung von Fotografie. Für mich ist Fotografie genau das: etwas, das im Bruchteil einer Sekunde passiert, ein Moment, der nicht wiederhergestellt werden kann. Es ist Magie.

Was können Sie uns über Ihre Arbeit mit Models erzählen? Wie gehen Sie die Fotoshootings an? Wie bereiten Sie sich darauf vor und wie wichtig ist die Chemie zwischen der Kamera und dem Model?

Das Shooting besteht für mich aus einer Zusammenarbeit mit dem Model, und die funktioniert am besten, wenn das Model gleichermaßen an dem Konzept interessiert ist wie ich. Es ist wichtig, dass das Shooting angenehm ist und den kreativen Flow unterstützt. Ein natürlicher und müheloser Stil ist nicht einfach, weder für den Fotografen noch für das Model. Keine Situation und kein Foto kann erzwungen werden, es muss natürlich entstehen. Wenn sich eine Situation nicht richtig anfühlt, lasse ich es sein. Diese Art der Arbeit erfordert volle Präsenz, das Loslassen von zu viel Denken und natürlich auch gegenseitiges Vertrauen. Daraus ergibt sich die Freiheit, etwas zu schaffen. Eine echte Verbindung ist wichtig, und das bedeutet für mich auch, dass ein möglichst kleines Team am Set anwesend ist.

Wie würden Sie Ihre Entwicklung als Fotograf in den letzten Jahren beschreiben? Hat sich Ihre Arbeitsweise verändert? Welche Art von Projekten fotografieren Sie am liebsten?

Ich glaube, dass man als Fotograf nie aufhört zu wachsen. Solange man die Motivation hat und sich für die Welt um einen herum interessiert, lernt man mehr über alles. Nicht nur über technische Dinge, sondern insgesamt über Konzepte und Bilder. Dieses Handwerk braucht auch Zeit und Verständnis für Nuancen. Ich sehe meine eigene Entwicklung, wenn ich mir meine Fotos von vor ein paar Jahren ansehe. Am meisten freue ich mich, wenn ein Kundenprojekt mit meinem Stil übereinstimmt. Wenn die fertigen Bilder so sind, dass ich sie auch in meinem nächsten Buch oder in einer Museumsausstellung zeigen könnte. Aber natürlich ist es manchmal auch erfrischend, ganz andere Konzepte zu entwickeln. Man lernt immer dazu und hat trotzdem noch etwas von seinem eigenen Stil.